OBRAS DE KINGMAN

    DESAROLLO DE PENSAMIENTO FILOSOFICO

                              PINTORES DEL ECUADOR

Humberto Moré 

(cuyo nombre real era Humberto Lalot Rivadeneira Plata) nació en la ciudad ecuatoriana de Esmeraldas en 1929. De formación esencialmente autodidacta, desde niño descubrió la profunda satisfacción que le producían los colores de los juguetes y en plena adolescencia empezó a dibujar figuras y fotografías de revistas y a copiar las tiras cómicas de los periódicos y los anuncios del cine.

En los años cincuenta comienza a exponer sus trabajos en galerías de arte de las localidades de Milagro y Guayaquil. Aunque sus primeras obras se centran en la realización de reproducciones de artistas como Rubens o Rembrandt, dibujos al estilo de Durero y retratos a la manera de Ingres, de manera paulatina apuesta por una propuesta conceptual esencialmente geométrica, con un profundo influjo de la estilización postcubista.
En 1962 tiene lugar un hecho que contribuye a su definitiva proyección: con su cuadro La Libertad obtiene la victoria en el Salón de Julio “Fundación de Guayaquil”. Poco a poco su nombre va ocupando un papel particularmente relevante en el ámbito artístico de Ecuador (pese a que apenas salió de Guayaquil), considerándosele como uno de los grandes pilares en los que se sustenta la renovación plástica del país (junto a artistas también de procedencia guayaquileña como Enrique Tábara, Luis Molinari o Estuardo Maldonado).
Humberto Moré es el fundador del movimiento conocido como Signología Funcional, cuyos principios básicos se sustentan en el uso de rectas, curvas, círculos y semicírculos para la conformación de todo tipo de figuras, como fórmula magistral para expresar una nueva concepción del arte y del artista ante el particular entorno que lo rodea.
La obra de Humberto Moré es multifacética y difícilmente clasificable: además de su producción pictórica (cuadros y murales), también realizó distintas esculturas modulares (hoy desaparecidas) hechas en hierro y hormigón, que adornaron varios parques de Guayaquil.
Hemos extraído del canal ecuadoracolores un vídeo donde podemos ver algunos ejemplos de su arte.

Humberto Moré fallece en Cuba en 1984 cuando se encontraba en pleno apogeo creativo. Más de tres décadas después de su deceso, siempre nos quedará su formidable legado artístico.
Hace dos décadas que el pintor Humberto Moré falleció. Sin embargo, su nombre se siente como “un fantasma que nos posee”, refirió la noche del pasado miércoles el periodista y poeta Fernando Artieda.Él hizo una semblanza de este artista, en el marco de la exposición ‘Bosques’, que inauguró su hijo, el también pintor Tony Moré, en memoria de este artista.

Artieda calificó a Humberto  Moré como  uno de los pintores ecuatorianos más sabios del siglo XX. Añadió: “Hablar de Moré es hablar de certezas profundas,  de cariños entrañables”. Nacido el 14 de abril de 1929 en Esmeraldas, Moré creó una serie de teorías sobre la ejecución y la técnica de la pintura ecuatoriana.

En palabras de Artieda, “Moré logró aunar dentro de sí casi todas las corrientes del pensamiento plástico contemporáneo y   desarrollar una teoría plástica del Ecuador”.   El poeta y periodista concluyó  su intervención refiriendo que para él fue todo un honor “rendir un homenaje a este hombre que dedicó su vida a lo único que sabía hacer:  crear. Moré creó  belleza a través de sus manos y creó un universo de ilusiones, de sueños  y de  pasiones colindantes con lo irrealizable.”
Humberto Moré murió de cáncer el 28 de octubre de 1984 en Cuba, país al que   viajó para hacerse  tratamiento médico.

La muestra
Tony Moré realizó 26 piezas: ocho acrílicos y 18 acuarelas  para esta ocasión. Desde que falleció su padre,  cuyo nombre real era Humberto Lalot Ribadeneira Plata, indicó Moré que ha realizado casi todos los años una exposición de sus cuadros en tributo a quien,  como él manifestó, “fue uno de los grandes de la plástica y un hombre que se desvivía por sus amigos”. El poeta Fernando Cazón Vera se encargó de presentar las obras que integran
Bosques’.  Inició su disertación  diciendo que la obra de Tony Moré es  luminosa y realista, y  que “encuentra  en su proyección la razón de lo lúdico y lo mágico”. Los cuadros que se exhiben  son sencillos,  cercanos a la realidad.  Un elemento que se repite en sus creaciones son las flores.

Al respecto Cazón Vera expresó:  “Moré parece un agradecido jardinero que cultiva las mejores flores para su público espectador.  Las agranda,  las achica, las hace colgar del aire o del viento,  las pone a navegar en el agua siempre ubicua y hasta es posible que en esa interrelación de los sentidos nos llegue su fragancia inaudita”.

El artista y su padre
Tony Moré declaró que lo que más admiraba de su padre es que fue uno  de los primeros pintores que “hizo una propuesta plástica al arte ecuatoriano.  Incluso,  definió su técnica y su temática con un nombre,  este fue  signología funcional”.

El artista señaló,  además,  que siempre ha tratado de pintar con técnicas y temáticas distintas a las aplicadas por su padre porque no quería que la gente pensara que su afán era emularlo.  “Aunque mi pintura es muy distinta a la de él,  creo que él fue quien produjo que yo ame tanto  el arte;  me enseñó,  con el ejemplo, que hay que  entregarse  al momento de crear”.

La muestra estará abierta al público hasta el  próximo 22 de septiembre. Puede visitarse de lunes a viernes, desde las  13h00 hasta las 19h00. La entrada es gratuita.

 

Oswaldo Guayasamín

(Quito, 1919 - Baltimore, 1999) Pintor ecuatoriano. Comenzó a pintar y dibujar desde su infancia, y vendía sus trabajos a los turistas para costearse los estudios. Aunque debió enfrentar la oposición paterna para hacerlo, finalmente se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de Quito, en la que permaneció durante siete años y de la que recibió el título de Pintor y Escultor en 1941, siendo el mejor alumno de su promoción.

Oswaldo Guayasamín

El período durante el cual Guayasamín recibió su formación estética fue el de mayor auge de la Escuela Indigenista, y la influencia de esta corriente en el pintor es evidente desde sus obras iniciales. En 1942 realizó su primera exposición en Quito, que causó gran escándalo por su marcado carácter de denuncia social. Poco después se trasladó a México, donde trabajó algunos meses con el gran muralista Orozco, quien ejerció una importante influencia en la definición del lenguaje estético del joven pintor ecuatoriano.

En 1943 pasó siete meses en los Estados Unidos recorriendo distintos museos a fin de estudiar las obras de Goya y El Greco, entre otros maestros. A comienzos de la década de 1940 trabó amistad con Pablo Neruda y realizó un largo viaje por Chile, Perú, Argentina, Bolivia y Uruguay, durante el cual tomó apuntes para su gran serie Huacayñán ("El camino del llanto"), compuesta por más de cien telas que giran en torno a la temática del indígena, el negro y el mestizo en América.

La realización de este trascendental trabajo fue posible gracias al apoyo que le brindó Benjamín Carrión desde la recién creada Casa de la Cultura. Las telas que integran la serie Huacayñán fueron expuestas por primera vez en 1952, en el Museo de Arte Colonial de Quito y, a lo largo del mismo año, en la Unión Panamericana de Washington y en la III Bienal Hispanoamericana de Arte, realizada en Barcelona (España), que le concedió el Gran Premio de Pintura.

El padre de Oswaldo Guayasamín era un indígena y su madre Dolores Calero era mestiza. Su padre (José Miguel Guayasamín) trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero. Oswaldo fue el primero de diez hijos.
Su actitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.
A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Es la época de la "guerra de los cuatro días", un levantamiento cívico militar contra Neptalí Bonifaz. Durante una manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que más tarde inspirará su obra "Los niños muertos", marca su visión de la gente y de la sociedad. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura.
En 1942 expone por primera vez a la edad de 21 años en una sala particular de Quito y provoca un escándalo. La crítica considera esta muestra como un enfrentamiento con la exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes. Nelson Rockefeller, impresionado por la obra, compra varios cuadros y ayuda a Guayasamín en el futuro.
Entre 1942 y 1943 permanece seis meses en Estados Unidos. Con el dinero ganado, viaja a México, en donde conoce al maestro Orozco, quien acepta a Guayasamín como asistente.
También entabla amistad con Pablo Neruda y un año después viaja por diversos países de América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que, desde entonces, aparece siempre en sus obras.
En sus pinturas posteriores figurativas trata temas sociales, actuó simplificando las formas. Obtuvo en su juventud todos los Premios Nacionales y fue acreedor, a los 36 años, del Gran Premio en la III Bienal Hispanoamericana de Arte, que se llevó a cabo en 1955 en Barcelona¹ y más tarde del Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.
Es elegido presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana en 1971. Sus obras han sido expuestas en las mejores galerías del mundo: Venezuela, Francia, México, Cuba, Italia, España, Estados Unidos, Brasil, Colombia, Unión Soviética, China, entre otros.
En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de los pueblos.
En 1978 es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y un año después, miembro de honor de la Academia de Artes de Italia.
En 1982 se inaugura en el Aeropuerto de Barajas un mural de 120 metros pintado por Guayasamín. Ese gran mural, elaborado con acrílicos y polvo de mármol, está dividido en dos partes: una de ellas dedicada a España y la otra a Hispanoamérica.
El 28 de octubre de 1992 recibe el título de Doctor Honoris Causa por parte de la Facultad de Arquitectura y Artes de la Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña (UNPHU).
Sus últimas exposiciones las inauguró personalmente en el Museo del Palacio de Luxemburgo, París y en el Museo Palais de Glace en Buenos Aires, en 1995. Logró exponer en museos de la totalidad de las capitales de América, y muchos países de Europa, como en San Petersburgo (Hermitage), Moscú, Praga, Roma, Madrid, Barcelona y Varsovia.
Realizó unas 48 exposiciones individuales y su producción fue muy fructífera en pinturas de caballete, murales, esculturas y monumentos. Tiene murales en Quito (Palacios de Gobierno y Legislativo, Universidad Central, Consejo Provincial); Madrid (Aeropuerto de Barajas); París (Sede de UNESCO); São Paulo (Parlamento Latinoamericano en el Memorial de América Latina); Caracas (Centro Simón Bolívar). Entre sus monumentos se destacan "A la Patria Joven" (Guayaquil, Ecuador); "A La Resistencia" (Rumiñahui) en Quito.
Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en este monstruoso Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas.

El padre de Oswaldo Guayasamín era un indígena y su madre Dolores Calero era mestiza. Su padre (José Miguel Guayasamín) trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero. Oswaldo fue el primero de diez hijos.
Su actitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.
A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Es la época de la "guerra de los cuatro días", un levantamiento cívico militar contra Neptalí Bonifaz. Durante una manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que más tarde inspirará su obra "Los niños muertos", marca su visión de la gente y de la sociedad. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura.
En 1942 expone por primera vez a la edad de 21 años en una sala particular de Quito y provoca un escándalo. La crítica considera esta muestra como un enfrentamiento con la exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes. Nelson Rockefeller, impresionado por la obra, compra varios cuadros y ayuda a Guayasamín en el futuro.
Entre 1942 y 1943 permanece seis meses en Estados Unidos. Con el dinero ganado, viaja a México, en donde conoce al maestro Orozco, quien acepta a Guayasamín como asistente.
También entabla amistad con Pablo Neruda y un año después viaja por diversos países de América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que, desde entonces, aparece siempre en sus obras.
En sus pinturas posteriores figurativas trata temas sociales, actuó simplificando las formas. Obtuvo en su juventud todos los Premios Nacionales y fue acreedor, a los 36 años, del Gran Premio en la III Bienal Hispanoamericana de Arte, que se llevó a cabo en 1955 en Barcelona¹ y más tarde del Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.
Es elegido presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana en 1971. Sus obras han sido expuestas en las mejores galerías del mundo: Venezuela, Francia, México, Cuba, Italia, España, Estados Unidos, Brasil, Colombia, Unión Soviética, China, entre otros.
En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de los pueblos.
En 1978 es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y un año después, miembro de honor de la Academia de Artes de Italia.
En 1982 se inaugura en el Aeropuerto de Barajas un mural de 120 metros pintado por Guayasamín. Ese gran mural, elaborado con acrílicos y polvo de mármol, está dividido en dos partes: una de ellas dedicada a España y la otra a Hispanoamérica.
El 28 de octubre de 1992 recibe el título de Doctor Honoris Causa por parte de la Facultad de Arquitectura y Artes de la Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña (UNPHU).
Sus últimas exposiciones las inauguró personalmente en el Museo del Palacio de Luxemburgo, París y en el Museo Palais de Glace en Buenos Aires, en 1995. Logró exponer en museos de la totalidad de las capitales de América, y muchos países de Europa, como en San Petersburgo (Hermitage), Moscú, Praga, Roma, Madrid, Barcelona y Varsovia.
Realizó unas 48 exposiciones individuales y su producción fue muy fructífera en pinturas de caballete, murales, esculturas y monumentos. Tiene murales en Quito (Palacios de Gobierno y Legislativo, Universidad Central, Consejo Provincial); Madrid (Aeropuerto de Barajas); París (Sede de UNESCO); São Paulo (Parlamento Latinoamericano en el Memorial de América Latina); Caracas (Centro Simón Bolívar). Entre sus monumentos se destacan "A la Patria Joven" (Guayaquil, Ecuador); "A La Resistencia" (Rumiñahui) en Quito.
Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en este monstruoso Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas.
Guayasamín fue amigo personal de importantes personajes del mundo, y ha retratado a algunos de ellos, como Fidel Castro y Raúl Castro, Paco de Lucía, François y Danielle Mitterrand, Pablo Neruda, Gabriel García Márquez, Rigoberta Menchú, Mercedes Sosa, el rey Juan Carlos de España y la princesa Carolina de Mónaco, entre otros.
Recibió varias condecoraciones oficiales y doctorados Honoris Causa de universidades de América y Europa. En 1992 recibe el premio Eugenio Espejo, máximo galardón cultural que otorga el gobierno de Ecuador.
A partir de 1995 inició en Quito su obra más importante, el espacio arquitectónico denominado "La Capilla del Hombre", a la cual le dedica todo su esfuerzo. Falleció el 10 de marzo de 1999, causa de un infarto agudo de miocardio, en Baltimore (Estados Unidos), aún sin ver finalizado este proyecto.
Ese mismo año se reconoció su labor, de forma póstuma, con: el reconocimiento como "Pintor de Iberoamérica", el Premio Internacional José Martí.2

 El padre de Oswaldo Guayasamín era un indígena y su madre Dolores Calero era mestiza. Su padre (José Miguel Guayasamín) trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero. Oswaldo fue el primero de diez hijos.
Su actitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.
A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Es la época de la "guerra de los cuatro días", un levantamiento cívico militar contra Neptalí Bonifaz. Durante una manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que más tarde inspirará su obra "Los niños muertos", marca su visión de la gente y de la sociedad. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura.
En 1942 expone por primera vez a la edad de 21 años en una sala particular de Quito y provoca un escándalo. La crítica considera esta muestra como un enfrentamiento con la exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes. Nelson Rockefeller, impresionado por la obra, compra varios cuadros y ayuda a Guayasamín en el futuro.
Entre 1942 y 1943 permanece seis meses en Estados Unidos. Con el dinero ganado, viaja a México, en donde conoce al maestro Orozco, quien acepta a Guayasamín como asistente.

También entabla amistad con Pablo Neruda y un año después viaja por diversos países de América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que, desde entonces, aparece siempre en sus obras.
En sus pinturas posteriores figurativas trata temas sociales, actuó simplificando las formas. Obtuvo en su juventud todos los Premios Nacionales y fue acreedor, a los 36 años, del Gran Premio en la III Bienal Hispanoamericana de Arte, que se llevó a cabo en 1955 en Barcelona¹ y más tarde del Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.
Es elegido presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana en 1971. Sus obras han sido expuestas en las mejores galerías del mundo: Venezuela, Francia, México, Cuba, Italia, España, Estados Unidos, Brasil, Colombia, Unión Soviética, China, entre otros.
En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de los pueblos.
En 1978 es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y un año después, miembro de honor de la Academia de Artes de Italia.

En 1982 se inaugura en el Aeropuerto de Barajas un mural de 120 metros pintado por Guayasamín. Ese gran mural, elaborado con acrílicos y polvo de mármol, está dividido en dos partes: una de ellas dedicada a España y la otra a Hispanoamérica.
El 28 de octubre de 1992 recibe el título de Doctor Honoris Causa por parte de la Facultad de Arquitectura y Artes de la Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña (UNPHU).
Sus últimas exposiciones las inauguró personalmente en el Museo del Palacio de Luxemburgo, París y en el Museo Palais de Glace en Buenos Aires, en 1995. Logró exponer en museos de la totalidad de las capitales de América, y muchos países de Europa, como en San Petersburgo (Hermitage), Moscú, Praga, Roma, Madrid, Barcelona y Varsovia.
Realizó unas 48 exposiciones individuales y su producción fue muy fructífera en pinturas de caballete, murales, esculturas y monumentos. Tiene murales en Quito (Palacios de Gobierno y Legislativo, Universidad Central, Consejo Provincial); Madrid (Aeropuerto de Barajas); París (Sede de UNESCO); São Paulo (Parlamento Latinoamericano en el Memorial de América Latina); Caracas (Centro Simón Bolívar). Entre sus monumentos se destacan "A la Patria Joven" (Guayaquil, Ecuador); "A La Resistencia" (Rumiñahui) en Quito.

Eduardo Kingman

Hijo del Dr. Edward Kingman y de doña Rosa Riofrío, es el segundo de tres hermanos, siendo su hermano menor el reconocido novelista lojano Nicolás Kingman Riofrío. Fue matriculado en la escuela Juan Montalvo donde realizó la primaria. Inicio sus estudios artísticos con Víctor Mideros en la Escuela de Bellas Artes de Quito. Otros estudios lo llevaron a Venezuela, Perú , Bolivia y finalmente en Estados Unidos, donde estudió en el San Francisco Art Institute, de California (1945-1946).

Carrera artística

En 1933 expuso con Antonio Bellolio en la última muestra de Allere Flamma, al año siguiente hizo varios cuadros que vendió en el salón municipal “Mariano Aguilera” de Quito.
En 1939 asistió a Camilo Egas con pinturas y decoraciones para el pabellón de Ecuador en la Exposición Mundial de Nueva York.
En 1945 Kingman fundó la Galería Caspicara de Quito. A partir de este momento sus grabados y pinturas originales fueron exhibidas internacionalmente en ciudades como París, Washington D.C., San Francisco, Ciudad de México, Caracas y Bogotá.
En junio de 1946 expuso en el Museo de San Francisco. La revista Time le coloca entre los grandes pintores de Hispanoamérica, luego fue a Nueva York y expuso en la Unión Panamericana de Washington.
En 1949 expuso en el Museo de Arte Colonial veintiséis oleos con motivos populares y colores frescos, briosos, alegres.
En 1955 expuso en Guayaquil; en 1956 en Bogotá y en Caracas; en 1974 en la Maxwell Gallery de San Francisco.
Por un período de veinte años Eduardo Kingman ocupó el cargo de profesor director de la Escuela de Bellas Artes de Quito, así como Director del Museo de Arte Colonial de Quito.³
Cerca del final de su carrera, Kingman fue honrado con una exposición con su arte en las Naciones Unidas, Nueva York.

Reconocimientos

En 1963 obtuvo el primer premio del quinto salón de Artes Plásticas.
En 1959 ganó el primer premio en el “Mariano Aguilera” con “Yo el prójimo”, visión aterradora de un mundo en crisis.
En 1973 le fue concedida la medalla al mérito Artístico de la Municipalidad de Guayaquil y en 1975 la condecoración Nacional al Mérito con el grado de Comendador.

Tendencia artística

Su carrera comenzó como pintor expresionista por sus ideas político-sociales. El tema del dolor y maltrato del indígena, ocuparía en gran parte la tendencia de este artista. Se hizo célebre por las grandes y poderosas manos de sus personajes, símbolo desasosegado de fuerza. El tema de las manos, se repite en casi todos sus cuadros, esto le ha ganado la reputación de ser “el pintor de las manos”.

OBRAS DE KINGMAN

Mirada hacia el Sur 1981

Estas manos estan atadas podríamos decir que es el resultado realizado del trabajo forzado y que llaman por una libertad justa.

Fin de Fiesta 1941

Fin de fiesta este es una realidad que todavía persiste en algunas comunidades los esposos por lo general toman hasta emborracharse y se quedan tirados en el camino y las mujeres tienen que esperar hasta que se despierten.

La Hora Obsura 1965

Esta pintura nos demuestra el maltrato al indígena que solía ser con frecuencia en las haciendas, las marcas causadas por el látigo son el recuerdo de un mundo lleno de injusticia. Tránsito Amaguaña en una de sus entrevistas expreso "Los patrones una lástima pegaban a los indígenas desnudos".

Jorge Vaca

 Jorge Vaca Entre lo Real y lo Irreal Un signo de Arte.
Jorge Vaca El significado de arte viaja más allá del pensamiento común o una simple inspiración. Para definir el arte hay que hacer un esfuerzo “Metafísico”. Creo fervientemente que el arte elige al artista, y que se es artista por la intensa vida misma llena de experiencias, sensaciones y conocimientos a través del tiempo, mas no, por la acción de pintar, cantar o bailar. En gratitud a la vida, devuelvo con toda mi energía, el color que me llega a raudales, para componer un poema, al amor que me brindó la existencia.
 

Titulo: La leche de la mujer amada Dimensiones: 120 cm x 90 cm Técnica : Acrílico sobre lona 2013

 

  Titulo: desnudos entre lo real e irreal Dimensiones: 120 cm x 90 cm Técnica : Acrílico sobre lona 2013

 

 

 Jorge Vaca Sobre la pintura de Jorge Vaca Me sorprende su pujanza, esa increíble capacidad de explorar los extremos del concepto y la técnica en el arte. Su atrevimiento conceptual al feminizar los objetos tiene una particular atracción estética. El explorar bajo la bandera de la creatividad le da permiso conceptual de ser irreverente. Fondo y forma, técnica y concepto como verdades indisolubles; a Jorge le sobra energía para saber que a pintar se aprende pintando, que el oficio es el único maestro que te da la excelencia en la plástica. Jorge Vaca busca y hasta se pierde intentando encontrar la salida al laberinto pictórico y va por el coloreando lo que ve, como un niño mágico en un país de maravillas. . Rubén Molina Artista Multiexpresivo 

 

  Titulo: Cuerpo de Vino Dimensiones:120 cm x 90 cm Técnica : Acrílico sobre corosil 2013 

 

 

 

 

  Titulo: Fémina Dimensiones: 200 cm x 140 cm Técnica : Acrílico sobre corosil 2013 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Camilo Egas

Camilo Egas (Quito, 1889 - Nueva York - 1962) fue un pintor ecuatoriano.
Se formó como pintor en la escuela de "Bellas Artes" de Quito y en las academias Real de Roma y asia, San Fernando de Madrid y Colarroisse de París. Al regresar de Europa tuvo la intención de radicarse  Ecuador y pintó cuadros precursores del indigenismo. Desde 1927 hasta su muerte se radicó en Nueva York. Entre 1935 y 1962 ocupó el cargo de director de la Escuela de Pintura de la New School for Social Research. Entre sus alumnos, se encuentra el escultor Arnold Henry Bergier.

 

L a evidente necesidad de romper la brecha entre realidad y apariencia (o ficción), es lo que lleva a la realización del documental Camilo Egas, un hombre secreto, dirigido por Santiago Carcelén y la intención de descubrir o poner en evidencia una verdad histórica sobre la vida artística del pintor ecuatoriano.

El punto de partida de Carcelén fue constatar tal vez los vacíos o enigmas alrededor de la figura del pintor y tratar de situarlo, en estricto rigor, como el indiscutible iniciador del indigenismo en el Ecuador, aquella corriente estética y pictórica que revolucionó y renovó la plástica ecuatoriana. En ese sentido es un auténtico enfoque documental por la prolijidad y cuidado al ir exponiendo los hechos, sustentados por voces expertas de profesionales e investigadores del arte y la entrevista nuclear a Eric Egas, hijo del artista, hecha en Nueva York.

Desde el mismo comienzo del documental –ahí está la visión introspectiva del director– hemos podido embarcarnos en un viaje concreto y emotivo (el documental es un road movie), que consiste en visitas sucesivas primero a la casa del hijo y después de su madre, la señora Alice Nielsen, otra al departamento del pintor y una más al Instituto New School donde ejerció por muchos años la docencia.

La cámara tiene la virtud de recrear los momentos más importantes de esta vida singular y única, desde que un Egas día decide convertirse en un migrante permanente y viaja a Italia en 1910 en goce de una beca oficial que se interrumpe abruptamente por el asesinato del presidente Eloy Alfaro en 1912. Cuando regresa en 1914, Camilo Egas pone en juego todo lo que pudo aprender y obtiene sendos reconocimientos al ganar una medalla de oro con su cuadro Las Floristas en 1916 y el Mariano Aguilera en 1918 con la obra Los Sahumeriantes, y la cátedra de dibujo en la Escuela de Bellas Artes.

En 1920 viaja a España y regresa dos años más tarde para trabajar, por pedido, catorce cuadros que se ubican en la biblioteca de la Circasiana de Jacinto Jijón y Caamaño. Se afinca un tiempo en París y conoce de cerca la obra de Picasso y las nuevas corrientes estéticas de ese momento. Al aproximarse a esta realidad y confrontarla con la suya propia, se reafirma en su indignación contra el autoritarismo, la guerra y la deshumanización que percibe del sistema.

El punto crucial del documental tal vez sea la recuperación de los hechos alrededor de la elaboración de un mural que debía exhibirse en la Feria Mundial de Nueva York, en 1939, y que fuera posteriormente destruido por órdenes estrictas del Gobierno ecuatoriano, a través del canciller Julio Tobar Donoso y del cónsul en Nueva York Sixto Durán Ballén. A Camilo Egas se le retira el pasaporte oficial bajo el cargo de “atentar contra la imagen del país” (el mural representa a los indígenas en su mayor estado de pobreza) y hacer uso indebido del documento. El mural exhibía, efectivamente, imágenes de indios e indias en sus circunstancias de vida, que es lo que indignó a las autoridades.

Al mismo tiempo que esto ocurría con el compatriota, el Alcalde Fiorello La Guardia, le entregaba las llaves de la ciudad a la que había servido como profesor y artista, desde 1930. Este fue un hecho que marcó la sensibilidad del pintor y, de acuerdo al punto de vista del documental, orientó su trabajo hacia otra dirección estética. Después de 1940 es el surrealismo, nos dice Carcelén, la tendencia que se asienta en su producción y que muestra la angustia y desolación como se percibe en los cuadros Estudio en la Calle 14, Hell o Paisaje surrealista, entre otros.

En 1956 regresa al indigenismo y presenta una última exposición en el Ecuador “que le da una nueva carga de energía” y lo hace renacer, tal como sostiene el pintor Nicolás Svistoonoff. Camilo Egas muere el 18 de septiembre de 1962 en Nueva York y sus cenizas fueron arrojadas al río Hudson. SR